Редакция Event.ruЕкатерина Коновалова — руководитель и креативный директор SILA SVETA Music. В ее портфолио есть как кейсы по созданию сценографии для российских фестивалей от OUTLINE до New StarCamp, так и работа на крупных международных площадках — от концертов Phish в MSG Sphere в Лас-Вегасе до новогоднего шоу ARGY в Дубае.
Мы поговорили с Екатериной о том, как создаются иммерсивные форматы для перформансов на стыке сценического и визуального дизайна, о новых инструментах для создания шоу, вдохновляющих кейсах и о том, как адаптировать визуальный язык, чтобы он находил отклик у разной аудитории.
Как ты попала в SILA SVETA и почему музыкальные проекты решено было выделить в отдельное направление?
Я присоединилась к студии в 2018 году. Имея опыт работы в сфере графического дизайна, мне было интересно попробовать себя в роли концепт-художника. Начинала с раскадровок и визуализации идей, а затем дошла до руководства проектами. Я получила глубокое понимание творческого процесса в компании и со временем взяла на себя более широкие обязанности, став в итоге арт-директором, отвечающим за визуальное повествование в музыке, живых выступлениях и экспериментальных медиа.
К 2023 году мы поняли, что проекты, ориентированные на музыку, выросли как в творческом, так и в стратегическом плане. Это привело к созданию SILA SVETA Music — отдельного направления студии.
Мы переосмысливаем визуальный язык музыкальных мероприятий с помощью стейдж-дизайна и контента. У нас широкий музыкальный вкус и кругозор, а среди проектов — масштабные концерты популярных исполнителей, таких как Дрейк, The Weeknd и Билли Айлиш, музыкальные фестивали, инсталляции, глобальные церемонии, модные показы и другие форматы, где музыка является неотъемлемой частью повествования. Это направление помогает нам исследовать новые творческие горизонты и создавать впечатления, в которых музыка и визуальные эффекты тесно связаны.
Кто из мировых продакшнов вас вдохновляет и какие проекты вы можете выделить особенно?
Я бы выделила масштабные события — мне интересно наблюдать за ними и черпать оттуда вдохновение.
Например, очень нравится смотреть выступления таких артистов, как Леди Гага — когда хореография, свет и контент слажены как единый организм. Все выглядит невероятно стильно, свежо и цельно. Уровень организации таких шоу всегда впечатляет.
Coachella — фестиваль, который я стараюсь не пропускать. Здесь крупнейшие артисты представляют свои шоу, задавая визуальные ориентиры на весь следующий год. Это своего рода выставка трендов, которые потом мы можем наблюдать в концертных выступлениях в течение года.
Отдельное вдохновение — фэшн-показы. В них всегда ощущается внимательный и изящный подход к декорациям. Из недавнего особенно запомнились DIESEL FW25 и кутюрный показ Maison Margiela Artisanal весна 2024.
Есть ли какие-то антитренды в сценографии, которые уже неактуальны?
Иногда устаешь от повторяющихся и похожих решений. Но все зависит от подхода: дизайнер с ясной головой и хорошим вкусом способен превратить даже самый «устаревший» прием в свежий и уместный ход. А вот настоящий антитренд, на мой взгляд — это бездумное заимствование чужих идей и сценографических решений без адаптации к контексту.
Музыкальные сцены становятся все более архитектурными и скульптурными — считаете ли вы свою работу формой «временной архитектуры»?
Безусловно. Стейдж-дизайн может выходить за рамки своей роли и становиться скульптурным центром, определяющим атмосферу и представляющим собой самостоятельное произведение искусства. Например, в этом году на Rave Rebels, крупнейшем в Бельгии рейв-фестивале, мы создали Deus Ex Machina — масштабную AV-инсталляцию, которая стояла в центре арены как живой суперкомпьютер. Разбитые экраны, свисающие провода и слои фрагментированной светодиодной сетки — эта конструкция была образом цифровой дезинтеграции, пульсирующей светом и искажением. Мы использовали тепловизионные камеры и риалтайм-эффекты, превратив сцену в визуальную метафору разрушения и возрождения.
Оформление пространства перекликалось с брутальной архитектурой зала: массивные металлические фермы, открытые проемы и мерцающие поверхности создавали впечатление сбоя в работе машины в режиме реального времени. Для нас это было нечто большее, чем просто оформление сцены. Мы стремились создать среду, эфемерную структуру, которая живет, дышит и усиливает эмоциональное восприятие музыки.
Как вам удается сочетать зрелищность с утонченностью?
Дело в фокусе внимания. Даже в монументальных композициях мы создаём моменты, которые находят эмоциональный отклик, например, мерцающую фактуру и ритмичное сверкание. Мы проектируем не только кульминационные пики, но и состояние тишины, ожидания и предвкушения. В этом контрасте рождается ощущение близости
Конечно, все это происходит не само по себе. Я полагаюсь на свою команду, и самое приятное, что мне не нужно быть супергероем с множеством навыков, чтобы справиться со всем самой. У нас отличные специалисты, каждый из которых выполняет свою часть работы, и вместе мы добиваемся успеха.
Что для вас самое сложное в работе?
Наверное, сложнее всего, когда в команде не хватает инициативы и вовлеченности. Это сразу отражается на общем темпе и результате.
Насколько творческий процесс зависит от артиста и насколько — от вашего собственного видения эмоциональной составляющей шоу?
Это симбиоз. Артист задает тему, индивидуальность, настроение через звучание; я привношу пространственную драматургию, то, как она разворачивается во времени. Моя задача — усилить историю с помощью формы. Вместе мы создаем мир, основанный на видении артиста и нашей интерпретации его переживаний.
В то же время место проведения играет огромную роль в создании общего впечатления. Фестиваль в горах — это не то же самое, что фестиваль в городе. Для каждого места есть свои сложности, начиная с технической подготовки и заканчивая общей концепцией. Сама обстановка часто подсказывает, как должна развиваться история.
Фестивали, как правило, имеют общую тему, которая определяет наше направление. Например, на New Star Weekend темой был воздух. Это натолкнуло нас на мысль: как мы можем удержать воздух, сделать его видимым или осязаемым? Так появилась идея для инсталляции — мы создали объект, взаимодействующий со светом и проекцией. У нас получился отличный результат. И все это родилось из темы мероприятия, ставшей для нас отправной точкой.
Какие инструменты или инновации вас больше всего впечатляют?
Мы чаще стали работать с генеративными визуальными эффектами в реальном времени, синхронизированными с музыкой и звуком, который реагирует как на исполнителей, так и на зрителей. Например, на пре-ивенте Outline 2025 визуальные образы и танцующие фигуры на волюметрических экранах превращались в единый организм с музыкой, пульсирующий в одном ритме. Контент работал на 360°, усиливая эффект живого присутствия. Отдельным эпизодом пре-ивента стал перформанс с нейрошлемом, который в реальном времени создавал аудиовизуальное полотно, используя сигналы внешней среды и едва уловимые импульсы мозга перформера.
Искусственный интеллект — еще одна важная составляющая. Он уже стал частью нашего рабочего процесса и используется на разных этапах: от написания сценариев шоу до создания визуального контента. Мы внимательно следим за развитием ИИ, это захватывающая и быстро развивающаяся область. Меня искренне восхищает все, что там происходит.
То же самое можно сказать и о TouchDesigner. Я работаю с ним уже много лет, и он невероятно универсален: создаём ли мы системы управления или генеративные визуальные эффекты, мы постоянно находим новые способы что-то улучшить.
Еще одна тенденция, которую мы наблюдаем и развиваем сами — это использование иммерсивных 360-форматов. Такой подход вовлекает зрителя, превращая пространство в единый художественный организм. Я побывала в нескольких пространствах teamLab, и их подход к полному погружению на 360 градусов действительно не имеет себе равных. Я восхищаюсь тем, как они сочетают проекцию с физическими элементами, парящими сетками, воздушными шарами, воздухом, водой. Все выглядит так, будто сделано вручную и с особой тщательностью, и мы стараемся придерживаться этого подхода в наших собственных проектах.
Для нас экраны и свет — это не просто инструмент, а художественный материал для творческого высказывания. Например, для нашей инсталляции в Rave Rebels мы с арт-коллективом Panterra придали конструкции более рукотворный, тактильный вид, добавив провода, необработанные текстуры, физические материалы. Это помогло превратить массивную, высокотехнологичную инсталляцию в нечто более живое и органичное.
Какие проекты вам ближе — камерные фестивали и андеграундные ивенты или масштабные события?
Я с большой любовью наблюдаю, как художники и музыканты из моего ближнего круга развивают свой творческий язык и подход. Особенно болею за фестивали вроде Outline и Signal — знаю, с какой самоотдачей команды единомышленников делают эти события из года в год, вкладывая в них все свое время и ресурсы.
Но, конечно, хочется расширять горизонты — и в географии, и в масштабе наших проектов.
Какой проект стал для вас творческим вызовом и почему?
Творческий процесс всегда наиболее сложен и увлекателен, когда мы впервые работаем с кем-то. В каждом сотрудничестве есть свой язык, ожидания и эмоциональная наполненность. Чтобы найти визуальный подход, который будет аутентичным для определенного артиста или контекста, нужно внимательно его слушать и уметь проявить гибкость.
Поэтому, будь то андеграундный рейв или масштабное шоу — переосмыслить наши методы и придумать что-то по-настоящему свежее для обеих сторон нас всегда заставляет именно первый совместный проект с артистом.
По каким параметрам вы можете понять, что не сработаетесь с артистом, есть ли какие-то рэд-флаги в коммуникации?
Иногда уже на старте становится понятно, что наши взгляды расходятся. Это может касаться творческого видения, тем, которые артист поднимает в своей музыке, или просто общего ощущения — вкуса и ценностей. В таких случаях лучше честно обсудить это заранее, чтобы не тратить силы.
Ваша работа затрагивает различные музыкальные субкультуры. Как вы адаптируете свой визуальный язык, чтобы он находил отклик у каждой аудитории?
Мы погружаемся в культуру: изучаем ее историю, эстетические коды, даже ткани и материалы. На андеграундных рейв-событиях мы отдаем предпочтение грубым, деконструированным формам и смелым решениям, которые потом масштабируем. На больших брендовых сценах мы используем генеративные системы или объемные конструкции, всегда учитывая особенности музыки и атмосферу места.
Я увлекаюсь электронной музыкой с детства. Со временем у меня сформировалась хорошая восприимчивость, в том числе и благодаря тому, что я видела и слышала. Эта база помогает в работе, но все всегда начинается с исполнителя: его культурного кода и смысла, заложенного в текстах или звучании. Несмотря на то, что мой путь начался с электронной музыки, со временем я открыла для себя и множество других жанров. У каждого из них своя визуальная логика и особый эмоциональный оттенок. Погружаться в эти миры и переводить их в собственный графический язык невероятно воодушевляет.
Какие художники, течения или культурные явления повлияли на ваше восприятие?
Меня действительно вдохновляют молодые таланты, новые движения и зарождающиеся творческие направления. Я внимательно слежу за ними, потому что именно там происходят самые захватывающие изменения. Меня всегда привлекала рейв-культура, а также рэп и танцевальная музыка. Эти сферы невероятно чутко реагируют на тренды — то, что появляется там, часто задает тон и становится мейнстримом.
Вот почему для меня так важно поддерживать связь с молодыми художниками и артистами. Особое вдохновение нахожу в небольших проектах и фестивалях, ориентированных на молодую аудиторию. Мне нравится быть их частью, создавать визуальные образы для начинающих исполнителей и впитывать новые стили и эстетику. Это один из лучших способов сохранять творческий потенциал и продолжать развиваться как художник.
Какой совет вы бы дали начинающим сценографам и креативщикам?
Начинайте работать как можно раньше и погружайтесь и в технологии, и в творческую составляющую — нарратив и работу с контентом. Освойте разработку визуальных систем и параллельно изучайте сторителлинг и психологию аудитории. Развивайте любознательность, сотрудничайте с представителями разных дисциплин — можно многому научиться у компаний, работающих над музейными проектами, но и не меньшему в технической среде. Например, работа в компании по аренде оборудования даст вам практический опыт работы с освещением, экранами и объективами, помогая глубже понять технические аспекты.
Нет единой школы, которая могла бы научить вас всему. Но, постепенно, накапливая навыки из разных контекстов, вы создадите свой собственный набор инструментов, который выделит вас, особенно при работе над масштабными мероприятиями, где важна каждая деталь.
Поделиться